#Museo Tinguely

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Robert Doisneau a Milano

Pochi fotografi hanno unito realtà e poesia come Robert Doisneau, tra i maestri più amati dal pubblico e 130 scatti del reporter francese sono a Milano per una mostra che ne traccia un ritratto completo, in viaggio lungo cinquant’anni di carriera. Dopo Elliott Erwitt, Jacques Henri Lartigue, Inge Morath, Maurizio Galimberti e il progetto dedicato a Lee Jeffries, il Museo Diocesano Carlo Maria Martini prosegue il viaggio nella grande fotografia con una full immersion nell’universo di Doisneau, infatti fino al 15 ottobre nella cornice dei Chiostri di Sant’Eustorgio si possono ammirare preziose stampe in bianco e nero ai sali d’argento provenienti dall’atelier di Montrouge, dove il fotografo stampava e archiviava le sue immagini, e dove ha lasciato un tesoro di 450 mila negativi e un’incredibile mole di stampe d’epoca. Considerato il padre della fotografia umanista francese e l’iniziatore del fotogiornalismo di strada insieme a Henri Cartier-Bresson, nella mostra milanese Doisneau si svela tra scatti iconici e perle poco note con mille storie da raccontare. Non mancherà Il Bacio all’Hotel de Ville, la sua immagine più celebre, considerata un esempio di come la fotografia sia capace di fermare l’attimo, oltre al meglio della produzione del maestro tra gli anni Trenta e gli anni Sessanta, dalla guerra alla liberazione, e poi il lavoro, l’amore, i giochi dei bambini, il tempo libero, la musica, la moda. Ci sono personaggi come Jacques Prévert, Juliette Gréco, Pablo Picasso, André Malraux, Jean Tinguely, Fernand Léger, Alberto Giacometti, ma soprattutto una folla di passanti, portinai, ragazze e monelli sorpresi nella freschezza della vita di ogni giorno, che insieme restituiscono lo spaccato di un’epoca e della sua umanità. Completa il percorso un’intervista video al curatore Gabriel Bauret e la proiezione di un estratto dal film realizzato nel 2016 dalla nipote del fotografo, Clémentine Deroudille,  per approfondire la conoscenza dell’uomo Doisneau con la sensazione di intimità che caratterizza le sue fotografie. Doisneau nacque il 14 aprile 1912 a Gentilly, un sobborgo di Parigi che segnò profondamente la sua estetica e il suo modo di guardare le cose. Diplomatosi incisore litografo alla scuola di Estienne decise di abbandonare quella strada per gettarsi nella realtà viva e cruda delle periferie, che all'epoca nessuno considerava, con  un mezzo d'espressione al tempo ancora guardato con un certo sospetto come la fotografia. Lo sforzo maggiore fu quello di donare dignità alla fotografia, cercando di svincolarla da una considerazione professionale, occupandosi in primo luogo di soggetti che non interessavano a nessuno e che non avevano nessun valore commerciale. I suoi committenti di allora erano nomi come Renault e Vogue. ma furono ben presto abbandonati in favore dell'Agenzia Rapho. Il soggetto privilegiato del fotografo fu Parigi, ma di piccola gente, di arie di fisarmonica, di grandi e bambini, i cui sguardi trasudano umanità e tenerezza. Tra le produzioni di questo periodo si possono citare le celebri "Banlieues" tra le quali spicca la storica "Banlieue la nuit" del 1947, a quelle dedicate ai bambini: "Le dent" (1956), "Les Frères" (1934), "Les petits enfants au lait" (1932). L'artista preferiva definirsi come un pescatore di immagini e sentiva la necessità di immergersi completamente nella realtà. Robert Doisneau morì ultraottantenne nel 1994, dopo aver coronato il suo sogno, insieme ad altri colleghi, di dare un valore alla fotografia che prima non aveva. Read the full article

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¡Facebook me ha recordado estos días que hace dos años hicimos una mini escapada primaveral a Praga!

El 9 de marzo de 2017 volabamos a Basilea desde el Aeropuerto de Santiago de Compostela, con EsayJet.

Solemos utilizar esta aerolínea en nuestras escapadas viajeras, ya que nos ofrece buenas conexiones desde el hub de Basilea a otros lugares de Europa, a muy buenos precios con salida desde el Aeropuerto de SCQ.

Asi que a las 11.45 a.m aterrizabamos en el EuroAirport Basel Mulhouse Freiburg,  dispuestos a dar un paseo por su centro histórico, ya que la conexión implicaba una noche en la ciudad a la ida y otra a la vuelta.

Basilea es una preciosa ciudad suiza, en la frontera con Alemania y Francia y Suiza, a orillas del Rin, muy cerca de Alsacia y Baden, por lo que constituye un buen punto para conocer toda la zona.

Pero en esta ocasión, como en las anteriores, la estancia era tan justa que únicamente nos daría tiempo a seguir descubriendo la ciudad.

El aeropuerto está ubicado en territorio francés, pero el centro de Basilea está a 6 kilómetros de distancia (12 minutos) del aeropuerto, y además hay un buen servicio de autobuses, la línea 50, con un montón de frecuencias. Aquí podéis consultar los horarios.

Habíamos elegido para la ocasión el Hotel Ibis budget Basel City, un hotel económico,  con habitaciones diminutas, pero que resulta una buena solución para pasar una noche en una ciudad tan cara como Basilea.

Y una vez instalados, salimos a pasear por la preciosa Basel.

Con aproximadamente 200.000 habitante, su situación estratégica ha sido aprovechada para el crecimiento económico, siendo, además, el centro de la industria farmacéutica mundial.

De su pasado conserva algunos bellos edificios, su notable actividad ferial, y un típico carnaval, el único que sobrevivió en territorio protestante, que se acababa de celebrar los días anteriores en la ciudad, entre el 6 y el 8 de marzo.

¡Todavía estaban las calles llenas de confetis!

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Por lo que he leído por ahí, es la fiesta popular más importante para los habitantes de Basilea, llamado “Basler Fasnacht”, y se celebra el lunes después del miércoles de ceniza desde primeras horas de la madrugada (“Morgenstraich”).

A las cuatro se apagan todas las luces en la ciudad, comenzando un desfile animado y reluciente por las calles de la ciudad. ¡Que pena no haber llegado un par de días antes!

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Basilea fue fundada por los romanos en el año 44 a. de C., quedando posteriormente  vinculada al imperio germánico, aunque con un príncipe obispo.

Su Universidad, fundada en el siglo XV es la más antigua de las existentes en Suiza, y la ciudad tiene una intensa vida cultural, con más de treinta museos, entre los que destacan el de Bellas Artes, Kunstmuseum, el museo más grande de Suiza, que  posee una magnífica colección pictórica del XVI y XVII, junto a  esculturas de Rodin, Chillida y Calder en su patio de entrada, que visitamos en un viaje anterior.

A orillas del rio está también el Museo Tinguely, junto al parque de la Solitude, y en las afueras de la ciudad, la Beyeler Foundation,  en la que se exponen cuadros de Picasso, Monet, Cezanne, Bacon, Klee, Giacometti, etc.

La catedral de Basilea está construida sobre los restos de una antigua catedral carolingia, que fue destruida en el 917 tras una invasión húngara. En 1019 se inauguró una nueva, de estilo románico, que fue destruida por un incendio en 1185, reconstruyéndose durante los siglos XII al XV.

De su pasado románico conserva todavía una parte en el interior y los capiteles de la nave central.

La puerta de Saint Gall, también románica, está catalogada como  una de las mejores portadas románicas del norte de los Alpes.

La Markplatz  o Plaza del Mercado es otro de los puntos neurálgicos de la ciudad, y en ella se puede visitar la Casa de la Ciudad,  con una interesante sala de Sesiones.

Pero nosotros aprovechamos el anochecer para disfrutar de una de las zonas más tranquilas de la ciudad, a orillas del Rin.

El Oberer Rheinweg es un paseo paralelo al río  desde el que se pueden contemplar unas impresionantes vistas de Basilea.

También es muy interesante la Fuente gótica en Fischmarkt, la Plaza del  Mercado de pescado, muy cerca de la calle  Spalemberg y  de la Plaza de Andreasplatz.

Es un barrio lleno de casas tradicionales y tiendas de antigüedades y artesanía.

Basilea también es muy conocida por la música, tanto clásica como por su festival de Jazz.

Todo el entorno central de la ciudad es agradable para el paseo y también para hacer compras.

Además, el transporte público es gratuito para los turistas, ya que en el momento de hacer el check-in en los hoteles te entregan un bono que puedes utilizar durante 24 horas.

Hay una BaselCard que permite el acceso a museos, el zoológico, descuentos en restaurantes, alquiler de coches, compras, etc.

Aunque carísima, como todo en Suiza, es una ciudad que merece la pena visitar.

Se nota que la edad me hace perder facultades, porque no recuerdo qué comimos ni dónde ese día, y no tengo ninguna foto, pero si recuerdo que salió tan caro que por la noche decidimos comprar algo en el supermercado cercano y utilizar los servicios de microondas que hay en el lobby del Hotel.

Al día siguiente tocaba madrugar para poner rumbo a Praga!

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              Escapada primaveral a Praga: Una noche en Basel ¡Facebook me ha recordado estos días que hace dos años hicimos una mini escapada primaveral a Praga!

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Jean Tinguely, Méta-Malévich, 1954 [Museo Nacional Centro de... https://ift.tt/2u3hLEb

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Niki de Saint Phalle e le Nana

https://www.unadonnalgiorno.it/niki-de-saint-palle/

Non volevo diventare un angelo del focolare. Avete accettato ciò che vi era stato trasmesso dai vostri genitori: la religione, i ruoli maschile e femminile, le idee sulla società e la sicurezza. Invece io passerò la vita a farmi domande, mi innamorerò del punto interrogativo. Una donna può essere una regina, ma nel suo alveare, e basta.

Niki de Saint Phalle è stata una pioniera della scultura monumentale. Pittrice, attrice, regista e scultrice femminista.

Nata a Neuilly-sur-Seine, in Francia, il 29 ottobre 1930, era figlia di un’attrice statunitense e un banchiere francese.

Con la famiglia si trasferì a New York nel 1937, cambiò diverse scuole a causa del suo carattere indomito. Pur vivendo negli Stati Uniti, passava le vacanze estive dai nonni in Francia, la sua doppia nazionalità contribuì a farne una cittadina del mondo, poliglotta e con amicizie internazionali.

All’età di 11 anni venne abusata dal padre, la traumatica esperienza verrà alla luce in un libro illustrato pubblicato nel 1994, quando aveva ormai 64 anni.

Le sue inclinazioni artistiche iniziarono molto presto, ha cominciato con la letteratura, ha poi studiato recitazione, posava come fotomodella per riviste come Vogue e Life quando attraccò al mondo del cinema.

Nel 1950 ha sposato lo scrittore Harry Mathews con cui ha avuto un figlio e una figlia. Dopo un paio di anni in Massachusetts, si trasferirono a Parigi, dove ha continuato la sua carriera d’attrice. In seguito a un ricovero in un ospedale psichiatrico, trovò nella pittura la sua terapia e vi si dedicò completamente.

La sua prima personale fu nel 1956 in Svizzera. Nei primi anni sessanta realizzava gli Shooting paintings (Tiri), una serie di azioni durante le quali il pubblico o l’artista stessa sparava con la carabina su dei rilievi di gesso nei quali si trovavano dei sacchetti di pittura, che esplodevano al momento dell’impatto. Spesso si trattava di figure maschili, attribuiva, infatti, a tali spari una funzione terapeutica e una sorta di vendetta nei confronti del padre che l’aveva stuprata.

Nel 1961 ha esposto al Museo d’Arte Moderna di Parigi e grazie alle sue performance artistiche, divenne l’unica donna a fare parte del gruppo dei Nouveaux réalistes.

Dal 1965 ha esplorato la rappresentazione artistica femminile realizzando figure a grandezza naturale che, presero progressivamente consistenza diventando le Nana. Nel 1966, per il Museo Moderno di  Stoccolma, ha realizzato Hon/Elle, una gigantesca Nana incinta di 28 metri di lunghezza, 6 metri di altezza e 9 metri di larghezza, stesa sul dorso come in procinto di partorire. Nel seno sinistro dell’opera c’era installato un piccolo planetario e nel seno destro un bar. I visitatori potevano entrare nell’opera passando per la vagina, cosa che suscitò roventi polemiche.

Nel 1971, ha sposato Jean Tinguely, pittore svizzero, dalla loro simbiotica unione, anche artistica, scaturiscono opere eccezionali e originali in giro per il mondo.

Profondamente legata all’Italia, dove ha vissuto i suoi ultimi vent’anni di vita, vi ha lasciato il suo testamento simbolico nel famoso, visionario, spettacolare Giardino dei Tarocchi di Capalbio (1979) opera ispirata al Parco Güell di Gaudí a Barcellona che contiene uno stuolo di monumentali fantastiche creature policrome alte fino a quindici metri che evocano gli Arcani maggiori delle carte dei tarocchi.

Ventidue gigantesche strutture che si ergono nella natura mediterranea in tutta la loro grandiosità esoterica. Un labirinto dell’anima, costruito in vent’anni di lavoro collettivo, un giardino di gioia, un piccolo angolo di paradiso, come lei amava definirlo.

Le sue Nana sono donne forti, ispirate alla sua amica Ciance, giovane russa prosperosa, in sintonia con il suo corpo. Sono infatti figure formose e colorate che rappresentano donne libere, detentrici di potere. Un inno alla femminilità gioiosa, che si esprime fuori dagli schemi, distante da ogni omologazione. Questo esercito di Nana porta la sua lotta di donna libera, che ha occupato uno spazio di soli uomini con il suo particolare stile e sensibilità.

Le Nana così colorate, gioiose e potenti sono l’espressione di un femminismo sorridente, un inno alla body positivity, non sono silhouette magre e emaciate, ma donnone tonde e rubiconde che danzano fiere.

Tra le sue opere più tardive la Fontana Igor Stravinski nella piazza del Centre Pompidou a Parigi.

Niki de Saint Phalle ha partecipato attivamente alla campagna contro l’AIDS e scritto e illustrato un libro dal titolo AIDS: You Can’t Catch it Holding Hands, tradotto in cinque lingue.

Nella sua lunga carriera ha anche scritto e realizzato alcuni film.

È andata via il 21 maggio 2002 a causa di una malattia respiratoria.

Nel 2006 Capalbio, di cui era stata cittadina onoraria, le ha organizzato la prima mostra sulla storia del Giardino dei Tarocchi con documenti inediti.

Nel 2014 le è stata dedicata una grande esposizione al Grand Palais di Parigi, dove, fra gli altri filmati originali riguardanti l’artista, furono proiettati anche quelli che mostravano i celebri Tiri.

Nel 2021 si è svolta al MoMA di New York un’esposizione presentata in due diversi spazi in cui venivano esposti oltre 200 lavori dell’artista.

Volevo il mondo e il mondo allora apparteneva agli uomini.

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Nuevo realismo

Durante la segunda mitad del S.XX el ser humano se convirtió en el punto de partida para la reflexión artística. En Francia, en 1960, varios artistas elaboraron el Manifiesto de los Nuevos Realistas (16 de abril de 1960) que han tomado conciencia de su singularidad colectiva, se comprometían a la apasionante aventura de lo real percibido tal como es y no a través del prisma de la transcripción conceptual o imaginativa. Estos artistas están abiertos al mundo que los rodea y pretendían acabar con la separación entre el arte y la vida, realizando sus obras con materiales de la vida cotidiana. Este movimiento es una reacción en contra del aislamiento de los informalistas y la vuelta a los orígenes, ven el arte como una manifestación más de la cultura y la naturaleza humana. Sus obras se centran en el objeto que experimenta un cambio rápido por la producción económica, y aunque cada autor lo trata de manera distinta, todos los tratan dentro de un proceso de recuperar, anular o pegar, más que de creación en el sentido tradicional, coincidiendo con el Pop. Buscan alejarse de lo artesanal, sin dejar huellas ni tener una implicación física en la obra, aunque deben todo o casi todo al bricolaje y a la industria, a los materiales de la nueva química, a los bienes de una sociedad que empieza a considerar con un cierto entusiasmo las posibilidades o el placer de formar parte de la sociedad de consumo.

1. Niki de Saint-Phalle

Altos del Sena, Francia, 1930 - San Digo, California, 2002.

Tuvo una infancia difícil y tormentosa que marco su obra, su padre abusaba sexualmente de ella y su madre le recordaba constantemente que fue una hija no deseada, culpándole de las infidelidades de su padre. Estudio en un internado de monjas del que se le expulsó por pintar de rojo las hojas de los genitales de una estatua de su colegio. En un primer momento trabajo como modelo para revistas cómo Vogue y Harpr´s Bazaary, después de forma autodidacta empezó a elaborar objetos y relieves de yeso que fueron expuestos en 1956 en Saint-Gall.

Conoció a su primer marido con el que vivió en los alrededores de la Universidad de Harvard hasta que se mudaron a París escapando de la caza de brujas de 1952. Un año después Niki sufrió una crisis psicológica, lee diagnosticaron esquizofrenia y fue tratada con electroshocks. Después de esta crisis de adentro más en el mundo del arte, donde sus obras estaban influenciadas por los maestros medievales italianos y del materialismo de Jean Fautrier. Conoció a Jean Tinguely y a los Nuevos Realistas, y realiza la serie Disparos, en los que participan todos sus amigos. Esta agresividad basada en un trasfondo biográfico, se ejerce durante sus exposiciones principalmente en Estocolmo, París y Copenhague, lo que le permite integrarse en el Nuevo Realismo. En sus últimos años sufrió enfisema, asma y artritis, se cree que es debido a la exposición a los vapores y petroquímicos que se encontraban en los materiales de sus obras, pese a todo nunca dejo de explorar nuevas vías, nuevas tecnologías y nuevas maneras de usar el arte media. Niki fue portavoz de importantes conflictos políticos-culturales, en sus obras refleja la violencia de los primeros años de la Guerra de independencia de Argelia contra Francia y afirmaron su rebelión como parte de la segunda ola del feminismo. En su obra Nana vemos cómo destaca las formas curvas de una forma extravagante para celebrar la figura femenina fecunda. Fue una de las primeras artistas públicas de fomentar la conciencia sobre el SIDA y critico la administración de George W Bush. Una visita al parque de Güell de Gaudí fue determinante para su obra, donde comprendió que quería realizar obras para espacios públicos, decorando este con prostitutas, diosas, parturientas, novias y sus célebres Nanas, gigantescas y multicolores figuras femeninas. Sus obras más destacadas es la de un mujer yacente, embarazada, de 29 metros de largo, a la que los espectadores podían “acceder�� a través de su vagina, esta obra fue clausurada tres meses mas tarde. Estas Nanas fueron la época más oscura de Niki, y a continuación empezó una época de luz y de alegría, donde la mujer paso a ser en una figura de culto, de deseo, voluptuosa, brillante, muñecas inmensas, multicolores y optimistas que mostraban las ganas de vivir.

2. Lourdes Castro

Funchal, Portugal, 1930.

Realiza obras de los movimientos artísticos del Arte Pop y del Nuevo Realismo, en pinturas y en instalaciones. Asistió a la escuela de Arte de Lisboa, per fue expulsada en 1956 por no cumplir con el canon estético académico del sistema de educación. Expuso en 1955 de forma individual Funchalense Club, en Funchal. También participo en algunas exposiciones colectivas en Lisboa. Partió a Munich y finalmente a París con su marido René Bertholo. En 1960 forma parte del espectáculo KWY en SNBA que marca el comienzo de los años 60 en la escena del arte portugués. Fue residente en la DAAD (Deutscher Akademischer Austauschdienst), en Berlín entre 1972 y 1979. Después de 25 años en París, volvió a Funchal, donde vive actualmente. Ha sido galardonada con la Medalla del Concejo Regional Salon de Montrouge, París, 1995; el Premio CELPA / Vieira da Silva, 2004; Gran Premio EDP Lisboa, 2000. Está representado en varias colecciones, públicas y privadas, incluyendo: Victoria and Albert Museum, Londres; Museo de Arte Moderno, La Habana; Museo de Arte Moderno, Belgrado; Museos Nacionales de Varsovia, Vroclaw y Lódz; Centro de Arte Moderno, Calouste Gulbenkian Foundation, Lisboa; La Fundación de Serralves, Porto. Últimas exposiciones individuales de Lourdes Castro: Sombras alrededor de un Centro, Fundación Serralves, Porto, 2003; El Gran Herbario de las Sombras, Fundación Calouste Gulbenkian, Lisboa, 2002. En 2000, representó a Portugal en la XVIII Bienal de Sao Paulo, junto con Francisco Tropa.

3. Jeanne - Claude

Casablanca, Marruecos 1935.

Tuvo una infancia difícil mientras vivía con su padre, cuando su madre combatía en la Resistencia francesa. Después se mudo con su madre y su nuevo marido a París donde conoció a su marido, Christo. Con el forma pareja artista y como era de esperar la imagen de su marido prevaleció con el tiempo aunque formasen una pareja. Apenas hay información de Jeanne, salvo que murió por una aneurisma y su cuerpo fue donado a la ciencia para investigar. Realizaban instalaciones artísticas ambientales, similares al Land Art, donde el material principal era la tela que envolvía gigantescos edificios, o extensas áreas públicas. En 1995 forraron el edificio del Reichstag en Alemania y en 1985 cubrieron el Puente Nuevo en París. También construyeron una cortina de 39 kilómetros de largo, llamada Running Fence, en la comuna francesa de Marin en 1973. Su trabajo más reciente es The Gates (2005), el que consistió en instalar 7.503 marcos metálicos en el Central Park de Nueva York. En febrero de 1964, Christo y Jeanne-Claude llegaron a Nueva York. Después de un breve regreso a Europa, se establecieron en Estados Unidos en septiembre de ese año. Aunque eran pobres y con un deficiente manejo del idioma inglés, Christo expuso su trabajo en diversas galerías, incluyendo la Galería Leo Castelli en Nueva York y la Galería Schmela en Düsseldorf, Alemania. Christo comenzó a envolver vitrinas de tiendas. La venta de las vitrinas ayudó a financiar deudas y otros proyectos artísticos de la pareja. Su siguiente trabajo, un paquete de 1.200 m³, fue construido con la colaboración de estudiantes entusiastas. A comienzos de 1968, Christo y Jeanne-Claude abandonaron la Galería Leo Castelli para mantener su autonomía.

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Shunk-Kender - L'arte attraverso l'obiettivo (1957-1983)

1 Marzo - 30 Giugno 2020 - MASI Palazzo Reali

In marzo 2020 il MASI ospita una mostra dedicata al fotografo tedesco Harry Shunk e a quello ungherese János Kender. A partire dagli anni ‘50 Shunk e Kender diedero avvio a una duratura e fruttuosa collaborazione. Il duo documentò, principalmente a Parigi e New York, inaugurazioni, biennali, artisti all’opera nei loro atelier o impegnati in performance pubbliche. Tra gli artisti immortalati: Yves Klein e Jean Tinguely, Niki de Saint Phalle e Eva Aeppli, Jean Fautrier e Daniel Spoerri, Andy Warhol e il suo entourage, Yayoi Kusama e Trisha Brown. L’esposizione giunge a Lugano dopo essere stata presentata al Centre Pompidou.

Le immagini di Shunk-Kender sono un'importante testimonianza della scena artistica della seconda metà del XX secolo, ma possono essere considerate anche un'opera con piena dignità e autonomia. In sintonia con l'arte del tempo, Shunk e Kender abbandonarono lo studio fotografico per essere presenti nei luoghi in cui le opere venivano alla luce. A differenza dei fotografi a loro precedenti, Shunk e Kender intrattenevano un rapporto intimo e diretto con i propri soggetti, così da divenire coautori più ancora che testimoni delle creazioni artistiche. La fotografia, anziché "umile serva delle arti", secondo la nota definizione di Baudelaire, diviene un’indispensabile compagna degli artisti, in un’epoca contrassegnata da creazioni volutamente effimere, azioni estemporanee, performance e happening. L’esposizione, che giunge a Lugano dopo essere stata presentata al Centre Pompidou, attinge dalle oltre diecimila stampe originali donate al museo parigino nel 2008 da parte della Roy Lichtenstein Foundation cui si deve la raccolta e tutela dello straordinario fondo fotografico Shunk-Kender.

Orari Martedì - Domenica: 10:00 - 18:00 Giovedì: 10:00 - 20:00 Lunedì chiuso Gratuito Primo Giovedì sera del mese (17.00–20.00)

Prevendita LAC Online Piazza Bernardino Luini 6 6900 Lugano +41 58 866 42 22 +41 58 866 42 40 info@masilugano.ch http://www.masilugano.ch http://www.luganolac.ch

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Francois-Xavier y Claude Lalanne

Francois-Xavier y Claude Lalanne. Artistas de piezas escultóricas funcionales.

François-Xavier y Claude Lalanne son un matrimonio de artistas franceses de renombre internacional, creadores de un lenguaje propio, con piezas famosísimas de mobiliario que se encuentran en la ambigua frontera entre el arte y el diseño.

François-Xavier y Claude Lalanne desarrollaron, desde mediados de los años 50 -que comenzaron a colaborar juntos- dos obras paralelas hechas de asociaciones surrealistas, humor y poesía, pero separadas e individuales, según su propia forma de entender su práctica.

Los dos artistas tienen su propia producción, su propio taller y sus propias técnicas.

En el libro que Daniel Abadie dedicó a Les Lalanne, “Lalanne(s)” Flammarion, (2008), escribió que “la obra de Claude Lalanne, como la de François-Xavier Lalanne, obviamente posee, bajo la firma común, su identidad específica“.

  Claude Lalanne (1924, París, Francia).

Para Claude, que  estudió arquitectura en la École des Beaux-Arts y en la École des Arts Décoratifs de París, la naturaleza está en el centro de su arte.

Más tarde se involucró con la comunidad de artistas del callejón Impasse Ronsin (Montparnasse, París) y se hizo amiga de los artistas estadounidenses Larry Rivers y Jimmy Metcalf, quienes le ayudaron a ella a desarrollar el arte de la galvanoplastia.

En el París de los años cincuenta y sesenta, un callejón llamado Impasse Ronsin era el callejón donde trabajaban (en un estudio miserable) artistas tan relevantes como Constantin Brancusi; Max Ernst; Yves Klein; Jean Tinguely; Martial Raysse, o Niki de Saint Phalle.

Claude Lalanne se dio a conocer al gran público en Francia en 1976 cuando el cantante Serge Gainsbourg (1928 -1991) seleccionó una de sus obras, la escultura “El hombre con cabeza de col” (1968), para a partir de esta imagen escribir su álbum de 1976, al que dio el mismo título y la portada.

Hoy Claude Lalanne, viuda desde 2008 del fallecido François-Xavier, vive y continúa produciendo trabajo con su propio nombre en Ury, cerca de Fontainebleau, al sur de París.

El universo íntimo y espontáneo de Claude abarca desde joyas y muebles inspirados en la naturaleza hasta esculturas monumentales.

El estilo de Claude está impulsado por un espíritu ornamental y barroco, pero que mantiene una intuición libre… lejos de las limitaciones técnicas.

“Lo que importa es la forma y lo que me transmite“, ha declarado en alguna ocasión.

Las obras de Claude Lalanne están hechas con técnicas relacionadas con la impresión, el moldeado y la galvanoplastia, proceso éste, que descubrió en 1956 gracias al artista estadounidense James (Jimmy) Metcalf.

La técnica de la galvanoplastia congela las formas naturales transformándolas en esculturas, en mesas, sillas, bancos o espejos.

Esta es una técnica de orfebrería que deposita una fina capa de metal alrededor de una forma: una hoja o una flor, a través de un baño de electrólisis (se bañan en sulfato de cobre) que con una corriente lo atraviesa.

El cobre se adhiere al material orgánico para crear una réplica perfecta, situando el resultado entre los límites del arte y el diseño.

  Claude Lalanne en la actualidad. Portada del disco de Serge Gainsbourg (1976) y pieza de metal del cuerpo de la modelo Verushka para Yves Saint Laurent.

  Francois-Xavier Lalanne (1927, Agen – 2008, Ury, Francia).

François-Xavier Lalanne -que afirmó en una ocasión que “el arte supremo es el arte de vivir“- es un escultor cuya obra casi siempre se ha presentado junto a la de su esposa Claude Lalanne, caracterizándose ambos por su espíritu de síntesis.

Antes de su mayoría de edad, recibió una educación jesuita y a los 18 años se mudó a París para estudiar escultura, dibujo y pintura en la Académie Julian.

François-Xavier consiguió un trabajo como guardia en el Louvre, donde pasaba horas estudiando la colección de artefactos egipcios. Desde babuinos y gatos, hasta rinocerontes e hipopótamos. Siendo evidente en su obra escultórica la influencia de este tiempo trabajando en el museo.

Después de completar el servicio militar obligatorio, Francois-Xavier volvió a París y se alquiló un estudio en Montparnasse, al lado de su amigo Constantin Brâncuși, a quien Lalanne visitaba con frecuencia con vodka y cigarrillos.

El gran escultor lo introdujo en el círculo de los surrealistas, donde conocería a artistas como Max Ernst; Jean Tinguely; Man Ray, o Marcel Duchamp, que demostraron ser muy influyentes en el trabajo del joven artista.

Francois-Xavier conoció a Claude en 1952, en su primera exposición en una galería. Este momento significó para François-Xavier el final de su carrera como pintor, pues él y Claude comenzaron su carrera juntos como escultores.

La técnica del metal martillado de François-Xavier le permitió combinar la pureza del dibujo con el rigor de las formas, consiguiendo piezas utilitarias pero a la vez opulentas.

François-Xavier, es famoso por sus obras de semi-escultura y semi-muebles, como el “Rhinocrétaire” (1964), a la vez escultura y mesa de despacho; las ovejas de lana, “Moutons“, esculturas y a la vez sillones; o el gorila de seguridad, “Gorille de Sillereté” [Security Gorilla] (1970) que es en realidad una caja fuerte.

François-Xavier Lalanne estaba convencido de que la escultura, y más ampliamente la obra de arte, puede tener una función.

En la década de los 60, François-Xavier tuvo la primera comisión privada importante cuando Yves Saint Laurent, y su pareja y socio Pierre Bergé, le encargaron un bar escultórico para el hogar de éste diseñador de moda.

Ésta pieza se vendió en 2009, en la legendaria subasta de Christie’s de la colección de la pareja por 2.753.000 € (más de 15 veces su estimación inicial más baja).

El mítico modisto también trabajó con Claude Lalanne, cuyas piezas de metal dorado del cuerpo de la supermodelo Verushka se incorporaron a su colección “Empreintes” de 1969.

Sus moldes electro-chapados del cuerpo humano para Saint Laurent son íconos del arte y de la moda del siglo XX.

Yves Saint Laurent también solía tumbarse en su famosa silla oveja Lalanne en su jardín. Y en la biblioteca de Yves Saint Laurent y Pierre Bergé se exhibían sus famosas ovejas realistas de bronce de Francois-Xavier cubiertas de piel, junto con lirios creados por Claude.

Gracias al gran éxito de la subasta de Yves Saint Laurent y Pierre Bergé, el público en general descubrió el importante lugar que la pareja Lalanne ocupó entre las obras maestras reunidas por estas dos personalidades durante su vida.

También Christian Dior ha utilizado los talentos creativos de Claude Lalanne para diseñar la colección de joyas para su exhibición primavera-verano 2017.

  “Le très grand ours” (1994 – 2015) de Françoic Xavier Lalanne (cortesía de Galerie Mitterrand), e imagen del matrimonio sentado en una de sus sillas con forma de pájaro.

  “Una oda al surrealismo y al Art Nouveau“.

François-Xavier y Claude Lalanne -a lo largo de su fecundo matrimonio- fueron co-creadores, no colaboradores, y trabajaron a menudo juntos, pero en estilos muy diferentes que demuestran su gran creatividad e imaginación.

François-Xavier prefería crear piezas inspiradas en el reino animal, mientras que Claude prefería la botánica y la vegetación.

Sin embargo, se unieron en su amor por lo surrealista y por el uso del humor a lo largo de su trayectoria profesional, una mezcla de arte fino y decorativo que ha seducido a los coleccionistas durante casi medio siglo.

“Prefería que mi arte fuera más sonriente que severo“, dice Claude. “Al principio, la gente realmente no consideró nuestro trabajo“.

“Sin embargo, creo que ahora sí lo entienden“, ha reconocido Claude, aclarando lo que hoy es claramente obvio.

La primera vez que éste matrimonio de artistas mostraron su trabajo fueron juzgados muy duramente por el mundo del arte por realizar piezas escultóricas con una función de mobiliario.

“Los críticos nos ignoraron completamente; para ellos, hacer esculturas que tuvieran un uso, que fueran funcionales, fue un completo disparate“, reconoció Claude Lalanne en 2013.

Sin embargo, Les Lalanne se negaron a dejarse influir, y pronto su trabajo estuvo en todas partes, desde sesiones de fotos en revistas hasta las galerías más modernas de París.

Ambos, François-Xavier y Claude Lalanne creían que el arte debía ser parte de lo cotidiano, una idea que resulta evidente a partir de sus obras escultóricas.

Incluso las ovejas están destinadas a ser utilizadas como muebles. “Pensé que sería divertido invadir esa gran sala de estar, con un rebaño de ovejas“, explicó una vez François-Xavier.

“Después de todo, es más fácil tener una escultura en un apartamento que tener una oveja real. Y es aún mejor si te puedes sentar en ella“.

Ahora conocidas como las “Moutons” de Laine, las famosas esculturas de ovejas de François-Xavier fueron presentadas por primera vez con el título “Pour Polytheme“, una referencia a un pasaje de “La Odisea” de Homero.

Ahora, con la década de 1970 totalmente en boga, las esculturas surrealistas y los motivos orgánicos impresos de las artes decorativas de François-Xavier y Claude Lalanne son codiciados por los coleccionistas.

Su mezcla distintiva de bellas artes y artes decorativas asegura que sus piezas sean muy buscadas por los coleccionistas contemporáneos.

Las obras de François-Xavier y Claude Lalanne, al ocupar muchos nichos, desde el diseño de interiores hasta las bellas artes y la alta sociedad, tienen un gran atractivo que las convierte en objetos aspiracionales.

Los temas explorados por los dos artistas iban en contra de la tendencia predominante en los años 60 y principios de los 70 del siglo XX: el arte abstracto.

Pero después del modernismo monocromático de la era espacial de los 60, la década de 1970 marcó el comienzo de un renovado interés por la naturaleza y lo orgánico.

No hay confusión posible entre sus enfoques tan diferentes de la escultura: moldeo y montaje para ella, dibujo y construcción para él. Y entre sus mundos: clásico y arquitectónico para François-Xavier, orgánico y barroco para Claude.

La obra de François-Xavier abarca un numeroso bestiario malévolo, alineando su obra escultórica con la gran tradición francesa de representación de animales como los realizados por artistas como Antoine-Louis Barye (1795 – 1875); François Pompon (1855 – 1933) o Constantin Brancusi (1876 – 1957), su vecino de estudio en Montparnasse.

Sin embargo, a los ojos del público en general -que hoy en día los está re-descubriendo- la unidad de la firma ha sido suficiente durante mucho tiempo para hacer que sus obras sean inseparables, como obras salidas de una sola mano y voluntad.

  Exposiciones de Les Lalanne.

En 1983, el Ministerio de Cultura francés encargó a Les Lalanne el diseño de nuevas fuentes monumentales para la plaza frente al Hôtel de Ville de París (el Ayuntamiento) y también el diseño de los jardines para Les Halles, un barrio en el centro de París.

En los últimos años, las obras de Les Lalanne se han expuesto en diferentes lugares de la ciudad de Nueva York.

En 2009, el dúo de artistas participó en Park Avenue Recession Art, un esfuerzo desarrollado por la Galería Paul Kasmin con la división de arte público del Departamento de Parques de la Ciudad de Nueva York y el Fondo para el Comité de Escultura de Park Avenue.

El proyecto involucró una serie de esculturas entre los pasos de cebra en Park Avenue. Las piezas presentadas fueron una manzana de bronce llamada “Pomme de New York” en 52nd Street; “Moutons” en 53rd Street; “Choupatte (Très Grand)” en 56th Street, y “Singe Avisé (Très Grand)” en 58th Street, que fue la última escultura que hizo François-Xavier.

En 2010, el Musée des Arts Décoratifs de París organizó una retrospectiva de sus obras, diseñada por el famoso arquitecto norteamericano Peter Marino.

En el otoño de 2013, en una antigua estación de servicio concebida por el desarrollador de bienes raíces y coleccionista de arte Michael Shvo, expuso con mucha fanfarria 25 de las ovejas, “Moutons“, de Les Lalanne, como instalación pública inaugural de la Getty Station, en la esquina de West 24th Street y 10th Avenue en el distrito de Chelsea, Manhattan (Nueva York).

Con sus montículos de hierba y su cerramiento blanco, “Sheep Station” atrajo a multitudes de personas que se divirtieron con la naturaleza surrealista de la obra.

Sus obras también se han mostrado en muchas exposiciones colectivas, como “Decorum, tapis et tapisseries d’artistes” (2013) en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París, y “Power Station of Art” (2014) en Shanghai.

François-Xavier y Claude Lalanne están representados por la Galería Paul Kasmin en la ciudad de Nueva York y Ben Brown Fine Arts en Londres.

En Junio de 2016, Christie’s (París) subastó un rinoceronte único de mármol de François-Xavier Lalanne -de la colección de Zeineb y Jean-Pierre Marcie-Rivière– que se vendió por 453.000 dólares.

Del 24 de Noviembre al 27 de Enero de 2017, una exposición en Ben Brown Fine Arts (Londres) presentó nuevas piezas de Claude Lalanne junto con esculturas de su difunto esposo, François-Xavier.

La Galerie Mitterrand presentó, del 14 de Abril al 27 de Mayo de 2018, la primera exposición individual de Claude Lalanne.

Esta exposición precedió a una segunda dedicada a la obra de su marido François-Xavier Lalanne, del 1 de Junio al 28 de Julio de 2018.

Al presentar la obra de Claude y François-Xavier Lalanne por separado, Galerie Mitterrand deseaba destacar la singularidad de los dos artistas y celebrar el vínculo excepcional que les unió a Jean-Gabriel Mitterrand desde la creación de su galería en 1988 (hace ya 30 años), y con la que han realizado más de una docena de exposiciones.

Esta primera exposición dedicada a la obra de Claude Lalanne presentó, a través de más de cuarenta obras, un panorama de su creación artística desde los años 60 hasta nuestros días.

Una selección de piezas históricas y obras más recientes, como los memorables “Moutons” y la “Fontaine aux oiseaux sur la plage” (1995) se han reunido junto con “Table aux pieds de Cerfs” y “Moyen Mouflon“, que se muestran aquí por primera vez.

Las obras recientes de Claude -que atestiguan la actividad creativa ininterrumpida de la artista- se muestran junto a las nuevas esculturas creadas especialmente para la exposición en la Galería Mitterrand: “Berces Adossées” (2015); un par de “Fauteuils Entrelacs” (2015); “Petite Table Crocodile” (2015 ); “Marcassin” (2015), así como una nueva serie de seis “Miroirs” (2015).

El público re-descubrió también obras pequeñas, como una serie de impresiones corporales realizadas en 1975 que recuerdan el encargo que Yves Saint-Laurent utilizó para su colección otoño-invierno 1969.

En esta ocasión, Claude Lalanne reunió tres versiones del emblemático “Galvanized Choupatte” [Colbage with legs] (1978), una de las cuales, de tamaño gigante, se presentaba por primera vez en París.

Las “Serpientes de mesa“, el “Banco de sentarse en el bosque” o la escultura de la gran pared vegetal, todas de 2017, forman un conjunto de piezas originales tomadas directamente del taller.

Galerie Mitterrand (pág. web).

Francois-Xavier y Claude Lalanne y el famoso escritorio con forma de rinoceronte “Rhinocrétaire / Rhinodesk” (1964).

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Arte cinética. Como dar movemento á obra de arte?

Despois de 1945 algunhas vangardas pretenderon liberar a obra de arte das súas limitacións e clasificacións. A arte cinética, ou Op-art, foi unha desas apostas rachadoras e democratizadoras. Sesenta anos despois esas pezas, recollidas nunha mostra antolóxica, vense de modo distinto. A realidade actual é cinética? Como se mira a arte cinética de hai máis de medio século á luz das tecnoloxías actuais?

Lito Caramés

OBRES OBERTES. L’art en moviment, 1955-1975. La Pedrera

1. Así renunciamos á pintura á cor como elemento pictórico; a cor é a superficie das cousas idealizada de maneira óptima, unha impresión destas mesmas cousas exterior e superficial; a cor é accidental, e nada ten que ver coa esencia íntima do obxecto.

5. Renunciamos a este engano milenario que mantén que na arte os ritmos estáticos son os únicos elementos plásticos e pictóricos. Afirmamos que nestas artes hai un elemento novo, os ritmos cinéticos, como formas básicas da nosa percepción do tempo real.

(Naum Gabo e Antoine Pevsner, Manifesto realista, 1920)

No magnífico edificio gaudiano de La Pedrera vén de abrir as súas portas unha nova exposición artística: OBRES OBERTES. L’art en moviment, 1955-1975, unha escolma antolóxica de pezas que se inscriben dentro da vangarda post-45 coñecida como Arte Cinética ou Op-art. A antolóxica é ampla, contando con pezas de 37 artistas que se distribúen por todo o extenso piso principal deste emblemático edificio; o piso que foi vivenda dos señores Milà: 1200 metros cadrados. OBRES OBERTES presenta os traballos de quen buscou en novas orientacións, en novos materiais, en novas técnicas, respostas a preguntas de sempre: como reflectir o espazo?, é posible o movemento nunha obra pictórica?, como expresar o tempo ou as cores nunha instalación? O elenco de artistas abrangue calquera continente: Marina Apollonio, Alexander Calder, Carlos Cruz-Diez, Dadamaino, Marcel Duchamp, Victor Vasarely, Julio Le Parc, Jordi Pericot, Eusebio Sempere, Heinz Mack, François Morellet, Nicolas Schöffer, Jesús Rafael Soto, Takis, Jean Tinguely, Günther Uecker, Francisco Sobrino entre outras e outros.

OBRES OBERTES está comisariada por Marianna Gelussi, historiadora da arte e comisaria independente e mais por Jordi Ballart, historiador da arte e responsable do Centro de Documentación de l’Atelier Cruz Diez, artista que tamén conta con obra en OBRES OBERTES. As numerosas pezas, unhas 70, ofrécense en formatos moi diversos: pintura, mobiliario, esculturas, vídeos, instalacións lumínicas e mecánicas, etc.

OBRES OBERTES. Orixes e propostas revolucionarias

O cinetismo é un corrente artístico que arrinca de moi diversos lugares e personaxes. Desde o Manifesto realista que Naum Gabo e  Antoine Pevsner escribiron en 1920, pasando polas ideas de movemento que proclamaron os Futuristas italianos (Un automóbil de carreiras é máis fermoso ca Victoria de Samotracia. Manifesto Futurista, 1910), aos postulados dinamizadores de Duchamp (Nu baixando unha escaleira, 1912) e ás pescudas de Calder cos seus móbiles. Non se debe esquecer tampouco o cinematógrafo, esa arte/industria que puxo a andar o que antes a fotografía só mostraba estático. A arte cinética é unha expresión artística intelectual. Os seus cultivadores estudaron as leis da física, da matemática para dar resposta ao seu empeño: o movemento sobre unha base estática. Entre as varias tendencias que tivo o cinetismo, uns artistas decidiron usar motores para mover as súas obras, mentres que outros escoraron máis polas beiras do que se coñece como Op Art (Optical Art). Os segundos querían que o espectador non fose pasivo diante da obra de arte: a obra complétase cando a persoa pasa por diante, míraa e interactúa con ela.

Cando comezou a callar a nova vangarda da Arte Cinética, aló pola anos 60 da pasada centuria, nacía con propostas ben revolucionarias e innovadoras. A arte cinética pretendía superar todos os formatos artísticos, facendo desaparecer de vez as separacións entre pintura e escultura, ou entre ready mades e vídeo. O cinetismo era a síntese artística: unha peza de dúas dimensións (pintura) que simulaba as tres dimensións, unha escultura móbil, etc. Socialmente –como filla das correntes posteriores á II Guerra Mundial-- a arte cinética buscaba a democratización da arte. A arte non podía ser para as elites sociais; a arte tiña que estar ao alcance de toda a poboación, debía formar parte da educación que as sociedades brindaran a cidadás e cidadáns. Os museos e outras institucións tiñan que ter as súas portas abertas sempre (algo como o que acontece hogano en Gran Bretaña). E aínda o cinetismo, nos seus postulados teóricos quería chegar máis aló: a arte tiña que formar parte da vida cotiá da cidadanía. Nesta vía de pescuda a arquitectura cobraba unha grande importancia. A poboación podía vivir rodeada de arte; e podía vivir na arte: os edificios como grandes esculturas transitables con gusto estético. Por iso o cinetismo influíu moito na arquitectura. Influíu na decoración interior (papeis pintados, baldosas), influíu na conformación de edificios públicos. A decoración do aeroporto de Maiquetía (Caracas) é un claro exemplo de cinetismo aplicado á arquitectura civil e pública.

OBRES OBERTES. L’art en moviment, 1955-1975. Dejà vu

L’art tindrà un valor socioartístic si l’obra compleix la seva funció de ser seriada en totes les variants que permet la industrialització ... i no com a peça comercialitzable i adquirible, sinó com a estructura artística inmersa en la vida corrent de la societat. Que no s’hagi de comprar, sinó que se’n gaudeixi pel fer de viure-la. Un art que no es penja a la paret, sinó que s’hi viu (Jordi Pericot, 1972).

Neste ano 2018, ano no que as principais empresas de telefonía móbil veñen de presentar máis novidades, polas que se permite á poboación mundial levar no peto un dispositivo que conecta ás persoas, de xeito inmediato, dun extremo ao outro da Terra; ano no que as redes sociais e as súas plataformas máis coñecidas (instagram, twitter, facebook) –xunto coas edicións dixitais de xornais e outras publicacións-- dan conta de calquera feito que aconteza en calquera latitude; mesmo dan conta das fakenews, fenómeno que tanto intoxican a vida. Precisamente neste ano 2018 abre as portas no edificio de La Pedrera a exposición temporal OBRES OBERTES. L’art en moviment, 1955-1975. Por que agora? Que razóns e motivos se concitan para que, sesenta anos despois da vixencia destas propostas artísticas se volva a elas? Foi unha proposta dos comisarios á Fundació Catalunya La Pedrera? ¿Hai intereses por parte de museos e coleccionistas de “mover” agora as pezas que levan tanto tempo pechadas en almacéns ou colgadas nunha parede? Ou a explicación vén por outras rotas. A fachada de La Pedrera é cinética? As liñas curvas tan queridas do Modernismo son precedentes do cinetismo? Sería bo saber todo o proceso de xestación desta antolóxica.

O resultado –no caso de quen subscribe estas liñas-- é que a estas alturas do século XXI, e noutros contextos tecnolóxicos (e sociais) ben diferentes, as obras de arte cinética convocadas na Pedrera antóllanse pasadas de moda. Algo así como se se fixese unha exhibición de pantalóns con perneira de elefante. A impresión que produce o percorrido polas numerosas salas e mesmo a contemplación das creacións cinéticas (e do efecto que queren provocar) é de que todo iso está moi visto, un dejà vu por todo o piso principal da Casa Milà.

Evidentemente, acotío, se están a facer antolóxicas sobre vangardas ou movementos artísticos pasados. Pero quizais neste caso (cinetismo) sexa a proximidade que as e os autores da arte cinética querían dar ás súas creacións coa vida cotiá de entón (un art que no es penja a la paret, sinó que s’hi viu, en verbas de Pericot) o que impele a valorar como experimentos trasnoitados todos os esforzos executados hai sesenta anos á procura dunha arte revolucionaria e democrática.

Nunha entrevista a Jordi Pericot (ano 2007), da que logo se dan máis detalles, o artista e pensador declara: la imatge virtual que jo feia als 60 era una imatge mental, mentre que ara està per tot arreu. I és bo que així sigui. El món digital és totalment cinètic, per definició. Hogano vivimos nun mundo dominado polas tecnoloxías e os trebellos (internet, móbiles) que nos fan entrar dentro dese mundo dixital. ¿Será a realidade actual –decididamente  dixital-- a que provoca que as innovacións e propostas revolucionarias de hai 50 ou 60 anos se vexan agora como pretensións falidas, mesmo cun aire infantil? Todo mudou; para ben ou para mal. Hoxe, nas conversas é difícil manter unha discusión sobre unha data, un nome, feitos; no móbil ou na tablet atópase a resposta inmediata.

Vasarely, Uecker, Apollonio, Le Parc, Haacke, Calder. Takis

A arte actual vai cara formas xenerosas, recreables a vontade; a arte de mañá será un patrimonio común ou non será. As tradicións dexeneran, as formas habituais da pintura decaen en vieiros trillados.(...) É doloroso, pero indispensable, abandonar os vellos valores para garantir a posesión dos novos. A nosa condición cambiou; a nosa ética, a nosa estética cambiaron. Se a idea da obra plástica deica agora residía nunha xestión artesanal e no mito da “obra única”, agora está na concepción dunha posibilidade de RECREACIÓN, de MULTIPLICACIÓN e de EXPANSIÓN (Victor Vasarely, Notes pour un Manifeste, 1955).

A mostra OBRES OBERTES. L’art en moviment, 1955-1975 visible na Pedrera, e as 70 pezas de 37 artistas, foi organizada en varios bloques polos comisarios: De l’ull al cos; Més enllà del marc; L’immaterial; Fer visible l’invisible, etc. Diante dalgunhas das obras custa entender por que están nun dos apartados e non en outro. Un dos artistas máis coñecidos dentro do mundo da arte cinética é Vitor Vasarely, que está presente en OBRES OBERTES con Cheyt-rond-va, 1970, unha pintura moi propia das pescudas de Vasarely. Este artista, de orixe húngaro, sentiuse atraído pola arquitectura e o racionalismo da escola Bauhaus e mais polo artista Mondrian. Considérase o creador da Op-art polas teimas que sempre tivo sobre os efectos visuais que poden provocar formas xeométricas arredondadas e “deformadas” por algunha lente. Foi o autor de Notes pour un Manifeste, publicado en París en 1955, unha das fontes programáticas da arte cinética. No sur de Francia está instalada actualmente a Fondation Vasarely.

Nesa mesma liña cómpre incluír a peza Dinamica circolare, 1965, da artista italiana Marina Apollonio. Os círculos concéntricos, pero non centrados e con variados grosores de tinta crean efectos ópticos de claro dinamismo. Con traballos ben distintos, pero que tamén pretendían o efecto óptico do movemento dunha estrutura ao paso de calquera espectador, o creador alemán Günther Uecker presenta dúas pezas bastante parecidas, unha cadrada, a outra circular, pero nas que, sobre unha superficie branca, o artista espeta moitos cravos co obxectivo de que o tránsito das persoas provoque o efecto de movemento. Na revista ZERO (revista publicada polo grupo artístico homínimo ao que este artista pertenceu) Uecker declarou(1961): Os meus obxectos son unha realidade espacial, unha zona de luz. Uso os medios mecánicos para vencer o xesto subxectivo, para obxectivizar, para crear un estado de liberdade espiritual. Uecker é coñecido internacionalmente pola insistente utilización de cravos nas súas pezas, como se pode apreciar aquí. Citando algúns outros artistas –mirando de presentar a diversidade de materiais e propostas artísticas-- Julio Le Parc, artista arxentino, presenta varias pezas que teñen como denominador común a procura de efectos lumínicos, usando para iso feixes de luz reflectidos azarosamente sobre superficies, ou puntos de varias cores para lograr o efecto de verdadeiras constelacións vibrátiles. Este último tipo de traballos –abstractos, iso si-- aseméllanse ás realizacións que moito antes executaran os puntullistas ou neoimpresionistas.

Para rematar esta breve nómina de obras e creadores, OBRES OBERTES presenta unha peza peculiar e diferente de Hans Haacke: Blue sail, 1965. Trátase diso: unha tela lixeira e azul, suspendida horizontalmente a certa distancia do chan, e por baixo un ventilador que xira aleatoriamente e que vai provocando diferentes figuras e e evolucións da tela. Haacke é un artista conceptual, de orixe alemán pero que vive en EEUU desde hai moito. É ben coñecido polas súas polémicas e críticas sociais e políticas. Un exemplo, na súa peza Cowboy con cigarro, manipula a peza de Picasso Home con sombreiro (1912) e converte a obra nun anuncio de cigarros. Por recorrer tamén a un artista que, vindo do surrealismo, influíu bastante na arte cinética, dicir que na Pedrera agora está colgada a obra Typographie, 1972, un móbil de Alexander Calder. Calder, amigo de Joan Miró, foi dos primeiros artistas que aplicou ás súas obras a intencionalidade do movemento; as súas estruturas colgantes, conformadas por arames e placas metálicas coas cores primarias, xa forman parte do patrimonio artístico de Occidente. Noutra orde de cousas, constatar que algúns artistas cinéticos optaron polos efectos electromagnéticos para conseguir o movemento das súas pezas. Este é o caso do artista grego Vassilakis Takis, que presenta a peza Musical, 1972, na que unha peza metálica, cando se activa o electroimán, golpea unha corda de guitarra e vai producindo sons aleatorios.

Jordi Pericot: Només m’interessa l’art que fa coautor l’espectador

De vuelta de París, fue uno de los introductores en España de las corrientes de arte cinético y op-art. A finales de los sesenta expone con el grupo MENTE (Manifestació Experimental de Noves Tendències Estètiques) para una mejor comprensión de las últimas tendencias estéticas. En sus obras, el espacio y la estética del movimiento son dos de sus preocupaciones constantes. Utiliza materiales como la madera, las cajas policromadas, las fotos seriadas, el acero inoxidable, el metacrilato, el poliester o el acetato de celulosa (F. Calvo Serraller, Enciclopedia del arte español del siglo XX, 1991).

Jordi Pericot é un dos máximos representantes da arte cinética en Cataluña e en España, xunto con Sempere ou Yturralde. Ben novo marcha a París para respirar aires diferentes dos asfixiantes que preconizaba a ditadura franquista. De volta en Barcelona (1968) foi nomeado director da escola de deseño Elisava, ata 1980, na que traballa sobre a comunicación visual e a arte cinética. Por aquel entonces foi un dos fundadores do grupo MENTE (Mostra Española de Noves Tendències Estètiques ou Manifestació Experimental de Noves Tendències Estètiques, 1968) que agrupa a personalidades como Oriol Bohigas, Ricard Salvat, Ricard Bofill ou Daniel Giralt-Miracle. No ano 1972 representa a España na XXXVI Biennales de Venecia, ocasión que lle brinda ser coñecido dentro do panorama artístico internacional. No ano 1980 pasa a ser catedráticvo de deseño da Universitat de Barcelona.

E desaparece como artista. Pero non da arte, tal e como Pericot a entende. Profesor da Universitat Pompeu Fabra, adícase a estudar e aprender comunicación e deseño (ten publicado El dissenyador com a formalitzador i comunicador de formes, entre outros traballos). Di que as clases, o deseño, a comunicación tamén son cinéticos. Tamén dirixe un centro que analiza a propaganda electoral (L'evolució del discurs persuasiu electoral a la televisió, é un dos seus libros). Tense dito que as persoas que apostan por traballar dentro dos postulados da arte cinética fixérono a partir de dous puntos de vista. Un vén sendo aquel proceso creativo que desemboca nunha peza que, xa por forzas naturais, xa por mecanismos mecánicos, esa peza ten movemento (o espectador asiste a ese movemento proposto pola persoa que ideou a obra). Como exemplo val calquera dos móbiles de Calder. A outra posibilidade é a de que sexa o movemento do propio espectador o que provoque o cinetismo. Exemplo desta segunda opción son as pezas que Pericot elabora a partir do que el chama o Mòdul T. Trátase dunha proposta de estrutura seriada e reiterativa, sobre unha base de madeira ou outro material, que ten forma xeométrica troncocónica; de aí o da T. Repetindo en aceiro, metacrilato ou outros materiais esas pequenas formas xeométricas troncocónicas –policromas ou non-- Pericot crea o efecto de que o paso do espectador por diante dá movemento a peza que está colgada na parede. No ano 2007 Jordi Pericot abre unha antolóxica das súas obras no Museu de Nàutica del Masnou, a súa vila natal. Pouco despois, e como consecuencia desta mostra, ábrese no citado museo o Espai d’Art Cinètic Jordi Pericot, que vén sendo o primeiro espazo público de España dedicado á arte cinética; grazas ás doazóns do autor ao Museu de Nàutica. A mostra de 2007, Jordi Pericot, 20 anys d'art cinètic (1964-1984) + gràfics actuals foi todo un acontecemento: despois de tanto tempo rescatábanse os traballos dun artista e investigador tan importante.

Arredor desta exposición, Jordi Pericot, 20 anys d’art cinètic (1964-1984) + gràfics actuals, apareceu nas páxinas do xornal EL PAÍS (10 de maio de 2007) unha entrevista que a periodista Mercè Ibarz lle fixo ao artista. Nela é onde Pericot afirma textualmente: només m’interessen les propostes artístiques que fan coautor l’espectador, esperada declaración de principios dun artista cinético. Pero. As verbas exactas e completas do artista que transcribe a periodista son: L’art és comunicació. Lóbra d’autor no m’interessa, només m’interessen les propostes artístiques que fan coautor l’espectador, Com les classes, com els llibres. Jordi Pericot, que leva moitos anos traballando como profesor afirma que as clases tamén son arte cinética. Leva razón: se as clases son interactivas –se existe un mínimo feedback entre docente e receptores-- a actividade devida nunha aula é cinética. Pero tamén di que os libros son cinéticos. Custa pensar que Pericot se refira a movementos físicos que as persoas poidan facer con volumes publicados; é lóxico deducir que se refire a movementos interactivos entre a persoa escritora e mais a persoa lectora. Movementos interiores. Ergo, estase a falar das emocións, sensacións, etc. que a lectura de determinado poema, novela, relato ou outra forma literaria pode provocar na persoa lectora. Cadaquén sabe que lecturas provocan tensións emocionais! Pero esa declaración pode ir, vai, contra a arte cinética. A contemplación do lenzo Conversione di san Paolo, de Caravaggio, Los Fusilamientos del 3 de Mayo, de Goya, o Moises, de Buonarrotti, Le Radeau de la Méduse, de Gericault, o Bico, de Rodin, ou algunha das pinturas que Francis Bacon fixo a partir do retrato de Incencio X de Velázquez (por citar algunhas pezas), poden provocar na persoa que as contempla similar movemento interno do que o fai a lectura da poesía ou dunha excelsa novela ou relatos. Respecto do interese que tiveron os cinetistas de democratizar a arte, as galerías de arte, os museos son institucións tan populares como poden ser as bibliotecas.

Lito Caramés

EXPOSICIÓN: OBRES OBERTES. L’art en moviment, 1955-1975

La Pedrera

ata o 27 de xaneiro de 2019

[epooleymajorproject2018]

Industrial Painting 1958 is a seventy-four metre long painted canvas by the Italian artist Pinot Gallizio. The work is abstract with gestural marks and pools of saturated colours: predominantly bright pink, yellow, light blue, light green and black. The canvas is rolled up around a wooden spool and can be unfurled for display to a minimum of ten metres. It was made using a ‘painting machine’, which extended the process of painting from the hand of the artist to a series of mechanical rollers that opened up the possibility of creating excessively long works. Gallizio made a series of works in this format after experimenting with new techniques in his ‘laboratory’ in Alba, Italy, in 1956. Industrial Painting is the largest and the second painting of this kind that he made: the first, at nine metres long, dates from 1957. Industrial Painting 1958 was made just prior to Cavern of Anti-Matter 1959, Gallizio’s other major work. Gallizio began making art after working as a chemist and this experience informed his artistic experiments. The art historian Frances Stracey has described how ‘In this collapse of the division of labour between artist and scientist, Gallizio emerged as a sort of modern-day alchemist’ (Stracey 2005, p.397). Industrial Painting utilised the artist’s scientific knowledge alongside technology associated with mass production to create something that was, in contrast to the usual application of these processes, chaotic and entirely unique. In addition to the painting machines – long drafting tables with mechanised rollers – Gallizio had numerous collaborators including other artists and children. Through this process of peinture d’ensemble (group painting), which involved the collaborators applying the paint with particular gestures prescribed by Gallizio, the artist’s studio took on the character of a factory as well as a laboratory. Despite mimicking other forms of work, Gallizio understood the industrial paintings as a way for art and painting specifically to ‘liberate antieconomic energies’ for a future age (Pinot Gallizio, ‘Manifesto of Industrial Painting: For a Unitary Applied Art’, trans. by Mollie Klein, August 1959, http://www.notbored.org/gallizio.html, accessed 7 June 2016). Following this alternative mode of production, Gallizio’s paintings were sold by the metre in the street market of Alba as well as in commercial art galleries. In 1956 Gallizio, along with the Danish painter Asger Jorn, organised the First World Congress o Free Artists. This event that was instrumental in the founding, in 1957, of the Situationist International, an international group of social activists interested in critiquing the alienating effects of modern life. Gallizio left the Situationist International in 1960 as it became focused on political, rather than artistic, action. Industrial Painting was included in the exhibition On the passage of a few people through a rather brief moment in time: The Situationism International 1957–1972 at the Institute of Contemporary Arts, London, in 1989–90, which also travelled to the Centre Pompidou, Paris, and the Institute of Contemporary Art, Boston. It has also been shown in exhibitions at the Tinguely Museum, Basel (2007), the Sydney Biennial (2008) and the Museo Centro de Arte Reina Sofia, Madrid (2010). Further reading Paul Schimmel, Out of Actions: Between the Action and the Object, exhibition catalogue, Museum of Contemporary Art, Los Angeles 1998. Maria Teresa Roberto, Pinot Gallizio: Catalogo generale delle opere 1953–1964, Milan 2001. Frances Stracey, ‘Pinot Gallizio’s “Industrial Painting”: Towards a Surplus Life’, Oxford Art Journal, vol.28, no.3, October 2005, pp.391–405. Catherine Wood March 2012

http://www.tate.org.uk/art/artworks/gallizio-industrial-painting-t14249

[compagniagirodivite-blog]

Il museo dedicato a Jean Tinguely ospita le opere del “collega” Wim Delvoye

http://dlvr.it/PMdSTv

[micaramel]

Artist: Jacqueline de Jong

Venue: Château Shatto, Los Angeles

Exhibition Title: Imaginary Disobedience

Date: March 18 – May 20, 2017

Click here to view slideshow

Full gallery of images, press release and link available after the jump.

Images:

Images courtesy of Château Shatto, Los Angeles

Press Release:

Jacqueline de Jong (born 1939, Hengelo, Netherlands) is a Dutch artist whose painting, sculpture and publishing endeavors have spanned over five decades.

Château Shatto will open our first solo exhibition with Jacqueline de Jong on Saturday, March 18. Imaginary Disobedience is the artist’s first solo presentation in Los Angeles and will comprise works from 1960 through 2015.

De Jong’s early work connects with several touchstones of the 20th century avant-garde. She established a deep involvement with the Situationist International and consequently became the publisher and editor of the Situationist Times from 1962 to 1967. As editor of the experimental and ideologically-forceful publishing platform, de Jong established her voice as a percipient contributor to political action and visual language.

In this role, de Jong brought the work of many artists to the pages of the Situationist Times, including Asger Jorn, Pierre Alechinsky and Gruppe SPUR. Her enduring involvement and collaborations with Jorn align de Jong’s work from this period with the legacy of CoBrA. While there is a clear thread and shared impulses between the work of CoBrA artists and de Jong, this is just one property of a practice that continues to be vital and experimental today.

De Jong’s output has been vast, yet she often returns to visions that blur human behavior with animal tendencies, where the ostensibly clear line that demarcates our humanity is rendered untidy. Eroticism, desire, violence and humor often participate in the same scenarios in her paintings. In de Jong’s more recent sculptures, the humble subject of the potato is revered for its quiet formal qualities and for each unique form that is sculpted by the earth that rears it.

Imaginary Disobedience will focus on works that define her major contributions. This includes de Jong’s inventive re-imaginings of the format of paintings; her chronicling of highly visible global events against her own wandering interiority; narrative tableaus; and a seamless blending of the intellectual and libidinal.

Jacqueline de Jong has presented solo exhibitions at the Moderna Museet, Stockholm (2012); Yale University Beinecke Rare Books and manuscripts library, New Haven (2012); Museum Freriks, Winterswijk, (2010); and the Cobra Museum for Contemporary Art, Amstelveen, (2003). She has exhibited work at Blum & Poe, Los Angeles (2015); Museum Hurrle, Durbach (2014); Bibliothèque nationale de France, Paris (2013); Danmarks Industriemuseum, Horsens (2009); Museum Tinguely, Basel (2007); Van Abbemuseum, Eindhoven (2003); Museo d’Arte Moderne, Lugano (2002); Museum KSL, Vienna (1997); Museo d’Arte Contemporanea, Barcelona (1996); Stedelijk Museum, Amsterdam (1994); Centre Georges Pompidou, Paris (1989); and the ICA London (1989). Her work is held in the following museums and public collections: Stedelijk Museum; Cobra Museum voor Hedendaagse Kunst, Amstelveen; Museum Arnhem; KunstMuseum Silkeborg; Sonja Henny Niels Onstadt Centeret, Oslo; Kunstmuseum Göteborg; Kunstmuseum Halmstadt; Museo Communale di Ascona; Städtische Galerie im Lenbach Haus Munich; Erotic Art Museum (Kronhausen) Hamburg; MCCA Toronto; Centre Pompidou, Paris; Bibliothèque Nationale de France BNF, Paris; Geld Museum, Utrecht.

Link: Jacqueline de Jong at Château Shatto

Contemporary Art Daily is produced by Contemporary Art Group, a not-for-profit organization. We rely on our audience to help fund the publication of exhibitions that show up in this RSS feed. Please consider supporting us by making a donation today.

from Contemporary Art Daily http://bit.ly/2pnCYEN

[cento40battute]

In Svizzera si festeggiano i 100 anni dell’ente del turismo elvetico

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Rigi Bahnen/Swiss Travel System By-Line: swiss-image.ch/Christian Perret

Schweiz. ganz natuerlich. Der Gotthard Panorama Express zaehlt zweifellos zu den herausragenden OeV-Erlebnissen des Landes. Aus dem Tessin fuehrt die Reise per Bahn ueber die legendaere Gotthard-Bergstrecke und dann mit dem Dampfschiff weiter Richtung Luzern. Hier bei der Kirche von Wassen. Switzerland. get natural. The Gotthard Panorama Express is undoubtedly one of the outstanding public transport experiences of the country. From Ticino, the journey takes you by train over the legendary Gotthard mountain route and then by steam boat to Lucerne. Here at the church of Wassen. Suisse. tout naturellement. Le Gotthard Panorama Express est sans aucun doute l’une des meilleures experiences de transports en commun du pays. Du Tessin, le voyage vous emmenera en train sur la legendaire route de montagne du Gothard puis en bateau a vapeur jusqu’a Lucerne. Ici, a l’eglise de Wassen. Copyright by: Switzerland Tourism – By-Line: swiss-image.ch/Alain Kalbermatten

Schweiz. ganz natuerlich. Das neue LAC ist kaum zu uebersehen: Der markante Bau des einheimischen Architekten Ivano Gianola liegt, nur einen Steinwurf vom See entfernt. Switzerland. get natural. The new LAC is hardly to be overlooked: the striking construction of the local architect Ivano Gianola lies only a stone’s throw from the lake. Suisse. tout naturellement. Le nouveau LAC est a peine a etre neglige: la construction frappante de l’architecte local Ivano Gianola se trouve a seulement un jet de pierre du lac. Copyright by: Switzerland Tourism – By-Line: swiss-image.ch/Lauschsicht

Schweiz. ganz natuerlich. Kunst Workshop mit Familie im Zentrum Paul Klee. Switzerland. get natural. Art workshop with family in the center Paul Klee. Suisse. tout naturellement. Atelier d’Art en famille dans le Zentrum Paul Klee. Copyright by: Switzerland Tourism – By-Line: swiss-image.ch/Lauschsicht

Schweiz. ganz natuerlich. Das Zentrum Paul Klee beherbergt die weltweit groesste Sammlung von Werken Klees, der zu den bedeutendsten Kuenstlern des 20. Jahrhunderts zaehlt. Switzerland. get natural. The Paul Klee Center houses the world’s largest collection of works by Klee, one of the most important artists of the 20th century. Suisse. tout naturellement. Le Centre Paul Klee abrite la plus grande collection du monde d’œuvres de Klee, l’un des plus importants artistes du XXe siecle. Copyright by: Switzerland Tourism – By-Line: swiss-image.ch/Lauschsicht

Schweiz. ganz natuerlich. Mit einer mehr als 500’000 Objekte zaehlenden Plakat-, Design-, Kunstgewerbe- und Grafiksammlung und seinen Wechselausstellungen ist das Museum fuer Gestaltung die wichtigste Institution fuer Design und visuelle Kommunikation in der Schweiz und eine der fuehrenden Adressen in Europa. Switzerland. get natural. Four collections Poster, Design, Graphics and Applied Art encompass more than 500’000 objects at the Museum fuer Gestaltung, Switzerland’s foremost museum of design and visual communication, is also one of the leading institutions in Europe, known for its fascinating temporary exhibitions. Suisse. tout naturellement. Avec son fonds de plus de 500’000 objets et ses expositions tempo- raires, le Museum fuer Gestaltung est la plus importante institution suisse (et l’une des principales en Europe) consacree au design et au graphisme. Copyright by: ZHDK – By-Line: ZHDK/swiss-image.ch/Betty Fleck

Fondazione Beyeler

Cogliamo allora l’occasione per parlarvi di questa piccola nazione che ha tanto da offrire al visitatore. In grande festa per il suo centenario, l’ente del turismo si impegna (e si è sempre impegnato sin dal principio), a portare alta la bandiera Svizzera, promuovendo in lungo e in largo questo territorio. Facendo dunque i migliori auguri all’ente per il suo felice compleanno, vi portiamo oggi a fare un giro in Svizzera.

Semplicemente naturale

Quando si pensa alla Svizzera, spesso si pensa (per stereotipi) a primo impatto al cioccolato; agli orologi; ad una popolazione ordinata; una nazione pulita e piuttosto seduta. Nulla di più sbagliato. La Svizzera si presenta al visitatore con una forte cultura nazionale, nata dall’unione di culture differenti (tedeschi, francesi e italiani) e con panorami e luoghi davvero incantevoli, incoronati dalle Alpi che si stagliano tra valli e città. Harry Lime (Orson Welles) si sbagliava di grosso quando, nel film di Carol Reed ‘Il terzo uomo’, diceva che 500 anni di democrazia e pace in Svizzera non hanno prodotto altro che l’orologio a cucù.

12 eventi da non perdere nel 2017

Fotografia, glamour, cinema, opera, musica jazz, festival e tanto altro, accompagnano il 2017 svizzero in un modo davvero eccellente. Un anno nel quale insomma è davvero difficile annoiarsi. 12 sono gli eventi da non perdere per il 2017, ecco a voi l’elenco completo: Il festival di musica classica di San Gallo, che trasforma il cortile del chiostro dell’Abbazia di San Gallo con la sua magnifica cattedrale in un palcoscenico d’opera (23 giugno – 7 luglio);  il Festival del film Locarno che per la sua 70esima edizione quest’anno, vedrà scorrere sulla Piazza Grande di Locarno centinaia di film d’autore  che si contenderanno sia l’approvazione del pubblico sia un Pardo d’oro (2 – 12 agosto); l’evento ‘’Vette sconfinate. Fotografie di montagna’’ sarà invece una raccolta di quasi 300 pezzi, provenienti per oltre tre quarti dalla collezione del Musée de l’Elysée, che comprende fotografie di ogni epoca, tra cui numerose opere del presente (25 gennaio – 30 aprile 2017 nel Musée de l’Elysée di Losanna); il Lucerne Festival, inaugurato nel 1938, attira ogni anno sul Lago dei Quattro Cantoni star internazionali e 100.000 appassionati di musica classica (11 agosto – 10 settembre); il Zurich Film Festival ogni autunno, per undici giorni rende Zurigo la capitale svizzera del cinema, con un programma variegato che piace a tutti i cineasti (28 settembre – 8 ottobre); 20 anni di Fondazione Beyeler – Mostra “Monet” presenta invece 50 capolavori provenienti da collezioni private e da celebri musei come il Musée d’Orsay, il Museo d’Arte Pola, il Metropolitan Museum di New York e l’Art Institute di Chicago (22 gennaio – 28 maggio); il Montreux Jazz Festival (30 giugno – 15 luglio); l’ Art Basel è l’evento dove le oltre 280 rinomate gallerie di Basilea trasformano questa città nella capitale mondiale dell’arte internazionale (15 – 18 giugno); la Badenfahrt, leggendaria festa cittadina di dieci giorni (18 – 27 Agosto); La ‘’Grosse Méta-Maxi-Maxi-Utopi’’ di Jean Tinguely, una scultura calpestabile, che potrà essere ammirata nel Museo Tinguely di Basilea (a partire da marzo); e  infine per concludere questo lungo elenco ricordiamo infine la mostra “Prendetevi una vacanza!” che, in occasione dei 100 anni di pubblicità nazionale, raccogliere i più bei manifesti turistici svizzeri in un unico spazio espositivo (4 – 9 luglio 2017 nello spazio espositivo del Museum für Gestaltung di Zurigo).

Città disegnate a misura d’uomo

A un calendario cosi ricco di eventi, va aggiunto anche tanto altro. La Svizzera può vantare destinazioni diverse a seconda delle stagioni. Natura e mondo moderno sono ben integrati e alcune città (innovative ed ecosostenibili), sono diventate un punto di riferimento nel panorama dell’architettura contemporanea. Molte delle città infine, presentano un doppio volto, uno adatto ai rigidi mesi invernali e uno rivolto al periodo estivo.

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Lucerna

Locarno

August Rodin, Kunstmuseums Basel

Lucerna teatro

Berna

Via Nassa, Lugano

Zurigo

Abendstimmung mit Rheinbad Breite und Roche-Turm Basilea

Ticino – Parco Ciani e vista su Monte San Salvatore, Lugano.Parco Ciani und Blick auf den Monte San Salvatore, Lugano.Parco Ciani and views of Monte San Salvatore, Lugano.Parco Ciani et vue sur le Monte San Salvatore, Lugano

Zermatt, nel Vallese, si estende ai piedi del Cervino e il suo sviluppo turistico è strettamente legato alla conosciutissima montagna. La località di villeggiatura ha conservato le sue caratteristiche originali e offre possibilità di escursioni illimitate durante diversi periodi dell’anno. Metropoli tutta da vivere è invece Zurigo, affacciata sul lago e contornata dalle Alpi. La città rappresenta un’esplosione cultura e stile: più di 50 musei e oltre 100 gallerie, firme celebri della moda e marchi locali. Zurigo ha anche una apprezzabile vita notturna che si manifesta, in riva al lago o al fiume. Altra stupenda città è Lucerna, porta d’ingresso della Svizzera Centrale, che si affaccia sul Lago dei Quattro Cantoni. Lucerna con i suoi monumenti, negozietti, la posizione sul lago e i vicini monti Rigi, Pilatus o Stanserhorn, è una tappa immancabile. Ginevra invece, sorprende con la sua tradizione umanitaria e l’atmosfera cosmopolita.

La città di Ginevra offre per gli amanti della cultura ben 40 musei. Una città che fonde antico e moderno è Basilea che, oltre ad un bel centro storico,  vanta anche architetture moderne. Il fiume Reno con il suo scorrere infine, completa questa bella città. Come non citare poi St. Moritz, villaggio che ha dato origine alle vacanze bianche (1864) e ha ospitato ben due Olimpiadi invernali. St. Moritz va detto anche che deve la sua fama anche alle sorgenti termali (note da 3.000 anni) che gli hanno permesso di affermarsi come località termale estiva.

E concludiamo questo elenco con altre due città simbolo della Svizzera: Berna e Lugano. Berna, conserva un carattere storico fortemente radicato che ben simboleggia il suo status di capitale della Svizzera. Il centro storico di Berna è patrimonio mondiale dell’UNESCO e conta 6Km di arcate. Lugano invece è la città più grande della regione del Ticino e oltre a rappresentare il terzo polo finanziario è anche un importante centro di congressi, di banche e d’affari. Dall’atmosfera tipicamente mediterranea, Lugano è una città molto accogliente.

Gotthard Panorama Express: lo straordinario viaggio panoramico in treno e battello

Chiudiamo questo viaggio con uno straordinario percorso panoramico nella terra elvetica che sarà a breve disponibile per i viaggiatori e non solo.

A partire da Aprile, l’itinerario storico tra Lucerna e Lugano sarà arricchito da alcuni particolari. Durante il viaggio a bordo del battello a vapore sul Lago dei Quattro Cantoni e del treno panoramico che attraversa le Alpi, saranno fornite ai passeggeri informazioni sulla storia e l’importanza di questa tratta. Aperta nel 1882, la tratta del San Gottardo permise ai passeggeri di attraversare le Alpi in treno. Dalla fine del 2016, è possibile attraversare le Alpi in modo molto più rapido, passando in linea retta nel bel mezzo del massiccio del San Gottardo. Gli amanti dei panorami possono tuttavia continuare a valicare le Alpi con la tratta panoramica del San Gottardo. Con più di 200 ponti e sette gallerie, il viaggio è fatto per conquistare e affascinare i passeggeri. Un modo per far rivivere la storia e non perdere un patrimonio culturale, oltre che tecnico.

Luca Ferri

N. verde 00800 100 200 30 www.svizzera.it info@myswitzerland.com credits images SVIZZERA TURISMO #INNAMORATIDELLASVIZZERA Twitter: @myswitzerland_i Facebook.com/myswitzerland Instagram: myswitzerland

Maggiori Info sul Gotthard Panorama Express: www.mystsnet.com

Svizzera 100 anni di turismo con passione In Svizzera si festeggiano i 100 anni dell’ente del turismo elvetico Cogliamo allora l’occasione per parlarvi di questa piccola nazione che ha tanto da offrire al visitatore.

[ioski]

MANIFESTO ESPECIAL 9 - Tinguely Museo

Este video acompaña al Episodio 20 de Manifesto, Arte Real y Directo.

Les presentamos el Tinguely Museo, en la ciudad de Basel, Suiza. Obra construida por el arquitecto suizo Mario Botta, quien ya hemos venido analizando en las obras como "La Flor de Piedra" y "El Teatro de la Arquitectura". Este museo, exclusivamente dedicado a las obras del escultor Jean Tinguely, quien fuera gran amigo del arquitecto. Les invitamos a escuchar el podcast de MANIFESTO en audio, para conocer más a fondo sobre estas obras de arte y arquitectura, y su significado en nuestra actualidad.

Escuchar Manifesto Episodio 20, que complementa este video.

[preziositaitalianeblog-blog]

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    Giardino dei Tarocchi

incantato, magico

e spettacolare

    Il Giardino dei Tarocchi

    La Toscana è da sempre meta di artisti , scrittori, poeti e attori illustri e famosi, bellissima regione con un verde delle colline e delle valli, che solo lei riesce ad avere.

Non so, come questa regione, riesca ad attirare come una calamita, altre regioni sono splendide e uniche ma la Toscane è “particolare”.

Un’altra prova è data dal fatto, che l’artista Niki de Saint Phalle, ha dato vita da pochi anni ad un “Giardino tematico”, iniziato nel 1979, creando il Giardino dei Tarocchi.

    Il Giardino dei Tarocchi

    Terminato nel 1996, il Giardino dei Tarocchi, apre al pubblico solo nel 1998, ricopre una superficie di circa 2 ettari, con splendide sculture alte fino a 15 metri, raffiguranti i 22 arcani dei Tarocchi, realizzate in acciaio e cemento e rivestite di specchi, vetri e ceramiche colorate.

Il Giardino dei Tarocchi è costato circa 10 miliardi di lire, si può immaginare dall’entità della cifra quanto sia imponente questa struttura, fu aiutata nella realizzazione da artisti di fama internazionale come, Rico Weber, Sepp Imhof, Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Marie e Isabelle Le Jeune, Alan Davie, Marina Karella e dal marito Jean Tinguely.

La sua ispirazione fu il Parque Guell di Antoni Gaudí a Barcellona e il Giardino di Bomarzo, i percorsi del giardino, si snodano seguendo gli andamenti del terreno, sul passaggio di cemento delle strade, sono incise citazioni, messaggi e pensieri che accompagnano il visitatore lungo il suo cammino.

Il padiglione d’ingresso è costituito da una lunga muraglia in tufo, con un’apertura circolare al centro, intento a sottolineare il passaggio dal mondo reale a quello del sogno del Giardino dei Tarocchi, le sinuose panchine di Pierre Marie Le Jeune donano il ristoro tra un incanto e l’altro.

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  Descrizione del Giardino dei Tarocchi

    Ingresso al Giardino è ai piedi della collina di Garavicchio, una località di Capalbio in provincia di Grosseto, una doppia e lunga muraglia, parallele tra loro, in tufo, e apertura circolare al centro, chiusa da cancello, funge da ingresso, i due lunghi muri paralleli, sono separati da un’area pavimentata in porfido, ai lati dell’apertura circolare, i gabbiotti in metallo e vetro per la biglietteria ed il piccolo negozio.

Passato l’ingresso, una strada sale fino a una piazza, La Piazza Centrale, dove la figura della “Papessa” e del “Mago”, sovrastano una vasca, mentre altre statue circondano questa piazza diventando un enorme anfiteatro.

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La storia di come è nato il Giardino dei Tarocchi scritto di pugno dall’artista e messo all’ingresso dello stesso

Un pezzo dei vialetti di cemento dove sono incise citazioni

  Dalla enorme bocca della Papessa, che ricorda l’Orco del Giardino di Bomarzo, sgorga una cascata d’acqua che si raccoglie nella fontana, al cui centro si muove la “Ruota della Fortuna”.

Le strade che salgono e scendono lungo il costone,partendo dalla piazza centrale, nella cui pavimentazione sono incise parole che, sono appunti di pensiero dell’artista, citazioni, memorie, sembrano seguire un andamento del tutto personale, con itinerari diversi.

Sulla destra della piazza, una piccola scalinata sale, passando sotto la figura del Sole, raffigurato nell’uccello del fuoco, bianco, rosso e giallo, sopra un grande arco azzurro, la raffigurazione seguente è il Papa.

Proseguendo lungo la stradina, incontriamo l’Albero della vita, con all’interno, nel suo incavo, l’Appeso, segue la enorme raffigurazione in bianco e nero della Giustizia, con la bilancia appoggiata sui seni.

Poco più avanti per un sentierino sulla destra, in mezzo al boschetto, incontriamo gli Amanti, figure in poliestere sedute sul muretto a consumare il loro pic nic, poco più indietro il Profeta, poi il castello dell’Imperatore, costruito “come una cittadella imperiale munita di torri, di un camminamento di ronda, di un cortile adornato da una fontana e da 22 colonne,il numero degli Arcani Maggiori, che sostengono un loggiato“.

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Gli Amanti

L’Imperatrice-Sfinge

La Papessa e la Ruota della Fortuna

  Dietro l’Imperatore, la Torre, simbolo delle costruzioni mentali non fondate su basi solide, interamente rivestita di specchi.

Posta in posizione dominante l’Imperatrice-Sfinge, al suo interno, adibito durante la progettazione del Giardino dei Tarocchi, uno spazio tutto a rotondità, senza alcun angolo, una abitazione con la stanza da letto in un seno, la cucina nell’altro e lo spazio centrale arredato come soggiorno studio.

Lungo il percorso vi sono tante altre sculture, la Luna, la Temperanza, la Morte, il Diavolo, il Mondo, il Matto e tante altre sparse qua e là, tutte con un loro significato.

Come avverte il cartello all’entrata, scritto dall’artista, il Giardino dei Tarocchi, non è aperto tutto l’anno, ha bisogno di manutenzione, sono pur sempre opere artistiche, anche se non esposte in un museo come altre della stessa autrice, a maggior ragione bisogna conservarle nel modo giusto.

Quindi prima di accingersi a passare una splendida giornata, anche per i bambini, è meglio chiedere informazioni alla segreteria della Fondazione Il Giardino dei Tarocchi con tel. 0564/895122.

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  Giardino dei Tarocchi Giardino dei Tarocchi incantato, magico e spettacolare La Toscana è da sempre meta di artisti , scrittori, poeti e attori illustri e famosi, bellissima regione con un verde delle colline e delle valli, che solo lei riesce ad avere.